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junho 24, 2024
Política

Prática utópica, poder político e comunidade na arquitetura: uma entrevista com Olalekan Jeyifous

Depois de receber o prestigioso Leão de Prata por sua contribuição na Bienal de Arquitetura de Veneza deste ano, o artista do Brooklyn, Olalekan Jeyifous, não mostra sinais de desaceleração. Desde então, participou da Bienal de Arquitetura de Sharjah e inaugurou Climate Futurism, uma exposição coletiva que destaca o poder e a eficácia dos métodos e processos dos artistas para imaginar um futuro mais equitativo.

Com um bacharelado em arquitetura pela Universidade de Cornell, o trabalho de Jeyifous reimagina espaços sociais que examinam as relações entre arquitetura, comunidade e meio ambiente. Ele já expôs em locais como o Museu Studio em Harlem, o Guggenheim em Bilbao, Espanha, e o Museu de Arte Moderna em Nova York, onde seu trabalho faz parte da coleção permanente do Departamento de Arquitetura e Design.

Conversamos com Jeyifous para discutir seu recente sucesso, sua abordagem utópica em relação à arte e arquitetura, e por que ele acredita que a ficção científica pode ajudar a disciplina a romper com práticas excludentes.

Primeiramente, parabéns pelo seu sucesso na Bienal de Veneza deste ano. Você pode nos contar um pouco sobre sua contribuição e como ela surgiu?

Obrigado! Meu projeto para Veneza evoluiu de um ensaio visual encomendado para o livro Where Is Africa, editado por Emanuel Admassu e Anita N. Bateman, e publicado pelo CARA (Center for Art, Research & Alliances). Pouco tempo depois, recebi o convite de Lesley Lokko para a Bienal de Veneza. Isso foi, na verdade, uma surpresa inesperada, considerando que eu havia participado da Bienal anterior e não tinha certeza se seria convidado para esta.

Meus projetos especulativos de construção de mundos estão sempre evoluindo e em constante iteração. Então, vi a Bienal de Veneza como uma oportunidade incrível para expandir a narrativa que iniciei em Where Is Africa, transformando-a em uma “ecoficção” mais elaborada e imersiva. Curiosamente, o projeto representa uma visão paradigmática contrastante de um mundo retrofuturista que criei para uma exposição no MoMa em 2021 intitulada “The Frozen Neighborhoods”, ou TFN. TFN examinava uma resposta legislativa severa e autoritária à crise climática global, que acabou impactando desproporcionalmente as comunidades marginalizadas, resultando em sua imobilização e isolamento do mundo exterior. Também tratava de como uma rede de comunidades dentro do Brooklyn, NY, predominantemente caribenha, respondeu a essas condições nos anos seguintes.

Para meu projeto em Veneza, ACE/AAP (African Conservation Effort/ All-Africa Protoport), a rápida remoção de poderes coloniais exploratórios e extrativos do continente abre caminho para uma era tecnológica sustentável, alimentada por algas e focada em uma hiper-mobilidade global extensiva em toda a Diáspora Africana. A história abrange desde os primeiros anos pós-independência africana até cerca de *1X72 (X indica que esta é uma linha do tempo alternativa à nossa própria), com destaque para o controverso desenvolvimento do mais recente All-Africa Protoport localizado na Barotse Floodplain, na Província Ocidental da Zâmbia. Este local apresenta uma rede híbrida integrada de produção de energia das marés, sol e de algas, destinada a reforçar a segurança alimentar, conservar a biodiversidade e apoiar os cinco sistemas de transporte da AAP. No entanto, a questão do potencial impacto nos costumes e na cultura locais continua sendo um tema central de discórdia num contexto mais amplo.

O seu trabalho é – em grande medida – inspirado no utopismo arquitetônico. Por que você optou por essa abordagem e qual é o seu processo ao iniciar um novo projeto? Quais você acha que são os benefícios de projetar dessa forma?

Para ser honesto, “utopismo arquitetônico” é basicamente a forma como coloco o trabalho dentro de um contexto mais amplo, o que me disseram que é importante fazer em relação às declarações dos artistas, ao “cânone” e tal (risos). O que me interessa é examinar as realidades sociopolíticas, ambientais e econômicas contemporâneas ou históricas através do prisma da ficção científica. O gênero permite a amplificação dessas realidades e sua colocação em cenários imaginativos e inventivos, proporcionando a liberdade de ser tão extravagante ou contido quanto desejar. É uma abordagem onde você obtém controle total sobre os limites e a linguagem visual.

Isso decorre da minha formação em arquitetura na Universidade Cornell. Durante esse período (1995-2000), a ênfase estava na exploração conceitual e não na prática. Isto me permitiu realmente mergulhar em narrativas robustas, desenvolver conceitos, testar diferentes modos de representação visual e criar “obras de arte” livres de restrições de clientes, orçamentos, ambientes de escritório e, por vezes, até de limitações físicas. Poder manter esse tipo de prática como meio de subsistência tem sido uma grande honra e privilégio.

Não consigo enfatizar suficientemente a importância de fomentar práticas especulativas que empregam o “meio arquitetônico” para investigar possibilidades, improbabilidades, perspectivas críticas e subalternas, e caprichos num campo que frequentemente reforça práticas e políticas segregativas e retrógradas, e muitas vezes mantém estruturas tradicionais de exclusão.

Na sua opinião, qual o papel que a arquitetura e a arte pública desempenham quando se trata de reivindicar o poder político, a identidade e a propriedade? Como isso se reflete no seu trabalho?

Esta é uma questão com a qual luto constantemente! A resposta curta é: o impacto pode variar significativamente.

Embora a arte pública e a arquitetura possam desempenhar um papel crucial no reconhecimento das histórias e contribuições das comunidades deslocadas ou na amplificação de vozes marginalizadas, também podem servir como um meio de aplacar essas mesmas comunidades, substituindo investimentos materiais reais ou reparações pela violência que sustentam com murais, esculturas ou projetos arquitetônicos bem-intencionados que carecem de qualquer apoio infraestrutural a longo prazo para a sua manutenção. Se isso é algo que nos preocupa, pode ser possível criar um espaço muito complexo e conflitante para ser explorado.

Ultimamente, tenho discutido um devaneio e uma ideia de trabalho com meus amigos e colegas que navegam neste espaço, chamando-a de “Percent for Policy”. Funcionaria como uma expansão dos programas existentes de “Percent for Art” em todo o país, exigindo efetivamente algum tipo de ação, reforma legislativa ou investimento tangível nas comunidades ou residentes deslocados sempre que uma obra de arte pública fosse encomendada para comemorar ou celebrar essa comunidade. Não desenvolvi nenhum detalhe ainda, mas penso em entrar em contato com pessoas do meio para ver o que acham.

Em quais questões você acredita que arquitetos e designers deveriam prestar mais atenção agora?

Considerem promover mais colaborações com campos vizinhos e acolher a experiência de outros. Dentro da arquitetura, particularmente no seu contexto educacional, existe um equívoco frequente de que somos ou deveríamos ser vistos como polímatas inatos, mas esse não é o caso da maioria (qualquer) de nós.

Além disso, particularmente não gosto de ditar qual deveria ser o trabalho da vida de alguém ou o que deveria ser considerado “importante” para se dedicar. Eu diria para tentar não reforçar práticas de exclusão e compensar as pessoas que você emprega de forma justa. A vida é difícil e exaustiva; busquem alegria, comunhão (se preferirem) e amor ao longo do caminho.

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